どうも、H1R0Iです。
キャラクターソングや物語性のある歌詞を書くとき、注意したいことがあります。
それは、キャラクターの口を借りて、自分自身の気持ちを語りすぎてしまうことです。
もちろん、書き手や歌い手の実感は大切です。
自分の中にある痛みや願い、感謝や後悔があるからこそ、歌詞には温度が生まれます。
何も感じていない言葉より、自分の心を通った言葉のほうが、深く響くことがあります。
けれど、キャラクターとして歌う場合、その感情をそのまま出せばいいとは限りません。
なぜなら、キャラクターにはキャラクターの人生があるからです。
どんな世界で生きてきたのか。
誰と出会い、何を失い、何を守ろうとしているのか。
どんな言葉なら自然に出てくるのか。
どんな感情なら、表に出せるのか。
そこを見ないまま、自分の本音だけを乗せてしまうと、歌詞の中でキャラクターが少しずつ崩れていきます。
あなたが書こうとしているその言葉は、本当にキャラクターの心から出てきたものでしょうか？
それとも、自分の感情をキャラクターに言わせているだけではないでしょうか？
この問いは、キャラクター表現においてとても大切です。
本人の感情を使うことと、本人の感情をそのまま語らせることは違います。
たとえば、書き手自身に「わかってほしかった」という想いがあるとします。
その想いをキャラクターに重ねることはできます。
でも、そのキャラクターなら、それを素直に「わかってほしかった」と言うでしょうか？
強がるキャラクターなら、別の言葉に隠すかもしれません。
優しいキャラクターなら、自分の寂しさより相手を気遣うかもしれません。
孤独なキャラクターなら、わかってほしい気持ちすら認められないかもしれません。
同じ感情でも、キャラクターによって出方は変わります。
だから、キャラクターの歌詞を書くときは、自分の感情をそのまま置くのではなく、そのキャラクターの心を通して変換する必要があります。
自分の実感を使いながら、
その役ならどう感じるのかを考える。
その世界なら、どんな言葉になるのかを探る。
そのキャラクターの関係性なら、どこまで言えるのかを見つめる。
この変換があるから、歌詞はキャラクターの言葉になります。
キャラクターの口を借りて自分を語りすぎると、歌詞は書き手の独白に近づきます。
一方で、キャラクターの心を見つめた歌詞は、その存在が本当に歌っているように感じられます。
大切なのは、自分を消すことではありません。
自分の感情を素材として使いながら、キャラクターの人生に通すことです。
その一行は、誰の痛みなのか。
誰の願いなのか。
誰の視点から生まれているのか。
そのキャラクターが歌う必然性はあるのか。
そこを見つめることで、歌詞の軸は整っていきます。
キャラクターは、自分の気持ちを代わりに言わせるためだけの存在ではありません。
そのキャラクター自身の心を持った存在です。
だからこそ、キャラクターの口を借りるのではなく、キャラクターの心から言葉が出てくるように見つめること。
そこに、作品世界を大切にする作詞の姿勢があります。
H1R0I
